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miércoles, 23 de noviembre de 2011

PINTURA RENACENTISTA ITALIANA

La pintura renacentista italiana se desarrolla a lo largo de los siglos XV y XVI partiendo de la pintura del Trecento y lo hace en paralelo a arquitectura y escultura. La cuna es Florencia, desde donde se extenderá al resto de Italia durante el s. XV y al resto de Europa en el s. XVI.

Se considera a Giotto y su escuela florentina el punto de partida para el desarrollo del Renacimiento en la pintura. Desde aquí surgen diferentes escuelas de modo que aunque hay unidad estilística al mismo tiempo hay individualismo, marcado por determinadas figuras clave que se convertirán en maestros e inspiradores de sus aprendices.

Hay varias tendencias en la primitiva pintura renacentista italiana:
  • La tendencia goticista que tiene mucho aún del estilo anterior. Se desarrolla principalmente a partir de los seguidores de la Escuela de Florencia y Siena, y como figura principal tenemos a Fra Angélico.
  • La corriente de movimiento: artistas que se preocupa por el estudio del espacio y el volumen, en la que destaca Masaccio.
  • La corriente narrativa-descriptiva, con gran interés por el clasicismo greco-romano, desarrollan la pintura profana son mayor interés que la pintura cristiana.
A partir de estas tres tendencias se desarrolla un arte único que pondrá las bases al desarrollo de las artes posteriores, y que bebe principalmente de las aguas del clasicismo greco-romano.

Los materiales que utilizarán son pastel, tempera y óleo, sobre madera y lienzo en la pintura exenta. En la pintura mural utilizan principalmente pastel o tempera.

Sus características principales son:

- Combina la temática cristiana, pagana y profana frente a la temática cristiana dominante hasta ahora.

- Interés por el hombre, no solo desde el punto intelectual, sino también físico, por ello el estudio de la anatomía en el arte será un tema importante para los artistas, también la búsqueda del canon perfecto y el movimiento.

- La pintura se distribuirá en orden alrededor de un eje central, dicho eje central siempre girará alrededor del ser humano: humanismo.

- El espacio y la perspectiva son también temas de estudio para conseguir la perfección de conjunto, así se desarrollará la perspectiva lineal buscando un punto en el horizonte hacia el que las figuras disminuyen proporcionalmente en el espacio. A partir de ella la escuela manierista veneciana, especialmente Il Tintoretto, iniciará el estudio de la perspectiva aérea ya a finales del siglo XVI .

- La luz es otro de los aspectos interesantes en la pintura renacentista, ya que ayuda al estudio del espacio y del volumen, de este modo las luces y sombras, los claro-oscuros, forman parte importante del espacio pictórico convirtiéndose en directriz de la composición.

- La composición está perfectamente estructurada y estudiada, suele dominar la composición cerrada, es decir, las figuras se distribuyen dentro del marco de manera que llevan a los ojos del espectador hacia dentro. No quedan figuras cortadas en los bordes de la pintura. Muchas veces se utilizan modelos geométricos en la composición, pudiendo encerrar el conjunto en un triángulo, cuadrado, rombo, círculo, etc. las figuras quedan entrelazadas entre sí formando estas figuras tanto en plano como en profundidad. Suelen colocar un eje vertical en el centro de la composición alrededor del cual sitúan el resto de las figuras. Con la pintura manierista se irán abriendo las composiciones.

- Utilizan en la composición la razón áurea: el número de oro o divina proporción en la composición (1’618) al que se ajustan los cuadros y las figuras. También las figuras humanas se adaptan a esta divina proporción.



- De esta manera, partiendo de un lienzo rectangular éste se divide en dos rectángulos uno mayor que otro, de manera que el rectángulo menor es al mayor lo mismo que el mayor al todo.






- Se representa de forma realista aunque en muchas ocasiones se idealice la realidad en pro de la búsqueda de la belleza y la proporción.


- Cada figura es tratada de forma individual, de forma que si sacamos una figura del conjunto y la aislamos no pierde su naturalidad y personalidad.



- La ambientación cobra importancia tanto en interiores como en exteriores.

- Estudio del movimiento de las figuras en pro del realismo.

- Estudio de escorzos y desnudos.

- Temática profana: retratos, mitológica,... y religiosa.

El Cinquecento sigue las características del Quattrocento, pero exagera las formas, las engrandece y añade movimiento, especialmente en su etapa final: el Manierismo.

El foco se situará en Roma y en Venecia. En Roma alrededor de la corte papal, principal mecenas de esta época.

La pintura sigue componiéndose de forma ordenada, encerrándolas en esquemas geométricos, pero ahora se multiplican sus formas: rombos, cuadrados,...

El artista pone más interés en el tema que en la ambientación que se pone en función del tema principal.

Su principal característica es la monumentalidad: cuadros de gran tamaño, frescos que cubren paredes enteras con figuras gigantes.

Se generaliza aún más el tema profano.

La etapa final del Cinquecento: el Manierismo, dará paso al Barroco. 

ARTISTAS


PINTURA DEL QUATROCENTO


2 comentarios:

  1. Interesting and informative post on regarding topic. I like the way you detailed and expressed entire things with diagrams.

    Thanks
    Jose Manuel
    plastike-artgallery.com

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