Andrea di Bartolodi Bargilla, (1423, Castagno-1457, Florencia) es uno de los más influyentes pintores renacentistas italianos del siglo XV, conocido por el poder emocional y el tratamiento naturalista de las figuras en su obra, aunque su vida fue muy corta.
Poco se sabe de sus orígenes y tampoco es fácil establecer las etapas de su desarrollo artístico, debido a la pérdida de muchos de sus cuadros. Fue un artista precoz y en 1440 se convierte en protegido de Bernardo de Medici. La realización de una pintura mural de los rostros de los adversarios de Cosimo de Medici, ahorcados tras la Batalla de Anghiari, sobre el muro del Palacio del Podestà de Florencia le valió el sobrenombre “Andreino degli Impiccati” (Andreino de los Ahorcados). Se sabe que viajó a Venecia en 1442.
Sus primeras obras parecen partir del Gótico Internacional, pero recibe la influencia del ilusionismo pictórico de Masaccio y crea su propia técnica para el estudio de la perspectiva, llamada científica, lo que le valió amplio reconocimiento. Su uso del color, sin embargo, parece derivar de la influencia de Domenico Veneziano de quién terminó los frescos de San Egidio en 1453, hoy perdidos, e inicia así su gusto por los tonos claros y cálidos. El realismo expresivo y emocional de Andrea del Castagno estuvo influenciado por Donatello, y su trabajo a su vez influyó en generaciones sucesivas de pintores de Florencia y de Padua. Se especializó en pinturas al fresco.
Pero es su trabajo en la logia de la Villa Carducci Pandalfini en Legnaia, donde rompió con los estilos anteriores y pintó una serie de figuras de gran tamaño que representan a personajes famosos, ahora ubicadas en el Museo Castagno de Florencia. En este trabajo, Castagno destaca por la manera en que representó el movimiento del cuerpo y la expresión facial, creando una gran tensión dramática y consiguiendo la impresión de que son formas escultóricas.
Su temprana muerte en 1557 a consecuencia de una plaga que asoló Florencia, nos ha impedido disfrutar del desarrollo artístico de este pintor que sin duda se habría convertido en uno de los genios del Renacimiento. Esto acaba con la leyenda expuesta por Vasari según la cual Andrea del Castagno asesinó a Domenico Veneziano que falleció en 1461, cuatro años después que el pintor florentino.
“Crucifixión y santos” (1440-1441, fresco, Ospedale Santa Maria Nuova, Florencia). Pintada para el monasterio de Santa Maria degli Angeli, hoy en el hospital de Santa Maria Nuova, muestra una fuerte influencia que recibió Andrea del Castagno de Masaccio y Donatello ya desde los primeros años.
Frescos de la Capilla de San Tarasio en Iglesia de San Zaccaria, Venecia (1442, fresco)
En 1442 Andrea viaja a Venecia, donde realiza los frescos de la cubierta de la capilla de San Tarasio en la iglesia de San Zaccaria, junto con un artista conocido como Francesco da Faenza (probablemente Francesco Torelli). Esta es la primera obra firmada y fechada del pintor. Muestran una fuerte influencia de la obra de Masaccio y Donatello como ya hemos visto en sus primeras obras. Contornos claros definen las figuras escultóricas, por lo que sus formas se fortalecen y se endurecen. La bóveda del coro original (ahora Capilla de San Tarasio), fue pintada por Castagno antes de cumplir los veintiún años. Los frescos representan a Dios Padre, santos y evangelistas y están pintados en estrechos compartimentos, fuertemente curvados que marcan los tramos de la bóveda y en consecuencia, son particularmente difíciles de realizar. El estilo refleja un cuidadoso estudio por el joven pintor de la escultura de Donatello -especialmente del Zuccone y de Jeremías- aplicando un amplio tratamiento de las figuras, un poco acartonadas, y de las cortinas hinchadas; la intensidad de la expresión de las figuras es ya una característica del pintor, que se interesa también por los detalles secundarios como los querubines. La influencia de Paolo Uccello también se pueden detectar, pero la influencia pictórica más importante parece haber sido la de Domenico Veneziano, que al parecer colaboró en la realización de los frescos. La imagen de Dios Padre se nos muestra llena de fuerza, llevando en su mano el globo que simboliza el Universo.
Esta imagen representa a San Juan Bautista.
San Juan Evangelista.
San Marcos.
“La Dormición de la Virgen” (1442-43, mosaico, Basílica de San Marcos, Venecia). Ubicada en la capilla Mascoli de San Marcos su atribución ha sido un tema de controversia, pero recientemente los críticos han argumentado convincentemente que el estilo de Andrea del Castagno es claramente reconocible en la construcción arquitectónica del fondo y la expresión tranquila y contemplativa de las figuras, con una ausencia total de drama. Representa la Visitación y la Dormición de la Virgen.
Aunque Jacopo Bellini y Michele Giambono también trabajaron en el mosaico, se ha concluido que la composición es de Andrea del Castagno, que probablemente realizó el boceto antes de salir de Venecia en 1442. El proyecto fue dejado languidecer hasta finales de la década de 1440, cuando Venecia se hizo más receptiva al estilo florentino. Entonces Bellini y Giambono añadieron sus propias figuras, lo que sugiere que, o bien Andrea dejó el trabajo sin terminar, o que fue dañado en los años intermedios.
“El Descendimiento” (1444, vidriera, Catedral de Florencia). En la realización de esa obra en una de las vidrieras de la cúpula de la catedral de Florencia, Andrea parece estar expresando una intimidad emocional y una armonía formal que son el resultado de una realidad cultural cambiante: el arte florentino en aquellos años estuvo dominado no sólo por pintores como Paolo Uccello, Filippo Lippi y Fra Angelico, su influencia en del Castagno es evidente y a ello se une la recibida por Domenico Veneziano que le acompañaría a lo largo del resto de su obra.
“Madonna y el Niño con santos” (1445, fresco, Contini Bonacossi Collection, Florence). E esta obra mural realizada en la capilla del castillo de Trebbio (Val di Sieci), perteneciente a la familia Pazzi, vemos claramente la influencia de la pintura tranquila y luminosa de Domenico Veneziano. A pesar de la fuerte naturalismo de los dos santos situados a ambos lados de la Virgen, la escena se caracteriza por una suavidad de formas, armonías de color y una composición majestuosa.
Frescos del Refectorio de Santa Apolonia, Florencia (1447). La influencia de la pintura de Domenico Veneziano es evidente en la decoración del refectorio de Santa Apolonia que Andrea pintó entre junio y octubre de 1447. Resolvió el problema planteado por la altura de las paredes del refectorio usando el viejo método de la organización las escenas en dos filas, una encima de la otra, pero se les dio una unidad visual: las Historias de la Pasión de Cristo, pintadas en el nivel superior son, concebidas como algo que ocurre en un espacio situado detrás de la habitación donde se sucede la Última Cena. Las tres escenas de la Pasión (la resurrección, crucifixión y lel santo entierro) están conectados entre sí por un grupo de ángeles volando que convergen en la figura central de Cristo, así como por un paisaje de fondo común a las tres representaciones. Este paisaje ha sido juzgado por Berti como "la interpretación más potente del paisaje de la Toscana en toda la historia de la pintura".
La escena que más se ha alabado, y que es la mejor conservada, es la Resurrección, situada la a la izquierda. Cristo se levanta con la monumentalidad y la solidez de una estatua, sólo ligeramente suavizado por su expresión melancólica y la luz pálida y suave que le rodea. Debajo de él, se encuentra un grupo de soldados profundamente dormidos; sólo uno de ellos acaba de despertar y observa el increíble evento con la boca abierta.
Las analogías obvias entre este fresco y el del mismo tema pintado varios años después por Piero della Francesca en Borgo San Sepolcro ha sido objeto de numerosos estudios críticos. La sencillez, la composición perfecta y perspectiva del fresco de Santa Apolonia es considerado por algunos estudiosos una anticipación del arte de della Francesca, mientras que otros piensan que es más bien un reflejo de él.
La escena del santo entierro se refleja en este caso con la imagen de Cristo que es depositado en el sepulcro por dos ángeles. La composición está dominada por el equilibrio perfecto entre la correcta construcción geométrica y el dramático evento.
Una de las obras más famosas de Andrea del Castagno es la Última Cena que pintó por debajo de los relatos de la pasión de Cristo. Este tema fue un serio reto para los pintores del Renacimiento, que tuvieron que representar trece figuras en la misma escena, cada una individualizada y conservando la diversidad y el interés de cada personaje. Para esta escena, Castagno crea un espacio atractivo con placas imitando mármol en la pared, situando el suelo y el techo en escorzo. Las figuras están dispuestas detrás de una larga y estrecha mesa, con la excepción del apóstol de cada extremo y de Judas Iscariote que aparece aislado en la parte frontal. El grupo central, compuesto por cuatro figuras: Judas, Cristo, Pedro y Juan, se enfatiza visualmente con una losa de mármol rojo de fuerte carácter simbólico.
Hasta hace muy poco la última cena parecía estar pintada en colores mucho más oscuros que el resto de las escenas del conjunto; esto dio lugar a muchos debates entre los estudiosos sobre la datación de la pintura. Pero después de la última limpieza (1977-1979), el color y el contraste tonal entre los dos niveles ha desaparecido, y los colores de la Última Cena han sido restaurados a su belleza original.
Todos los estudiosos están de acuerdo en alabar la estructura arquitectónica de la sala donde la escena de la Última Cena se lleva a cabo: una habitación en el estilo austero de Alberti, con paneles de mármol de colores que funcionan como telón de fondo a la escena solemne de la cena. Nótese también la belleza de algunos pequeños detalles, como los reflejos dorados en el cabello de alguno de los personajes o los halos representados en perspectiva perfecta. El otro elemento extraordinario de este fresco es el notable equilibrio de gestos y expresiones, en particular en el grupo de figuras en el centro de la composición, en el que el sueño inocente de San Juan a la izquierda de Jesús se pone en contraste con la figura tensa y rígida de Judas sentado enfrente.
Una espléndida sinopia que fue descubierta cuando partes del fresco cayeron de la pared se exhibe hoy junto con el resto de la pintura, y confirma la opinión de que Andrea era un artista rápido y vivaz que dibujó con facilidad.
“Nuestra Señora de la Asunción con san Miniato y san Julián” (1450, temple sobre tabla, Staatliche Museen, Berlín). Este retablo fue un encargo del rector de la iglesia de San Miniato alle Torri. La Virgen es representada envuelta en una amplia capa oscura, con pliegues muy marcados, que es llevada al cielo sentada en un trono de nubes rojizas sostenido por cuatro ángeles cuyas poses y gestos calculados cuidadosamente nos ofrecen un ejemplo más de la capacidad de Andrea para representar ángeles flotando en el aire, un talento que Vasari alabó largamente. Los dos santos monumentales en ambos lados de la Virgen también parecen flotar en un espacio convencional y abstracto. La escena está dominada por la armonía y contraste de los colores brillantes.
“Crucifixión” (1450, temple sobre tabla, National Gallery, Londres). La autoría de esta obra está en disputa. Se supone que esta pequeña tabla formaba parte de una predela. La atención se concentra en la monumentalidad de las figuras y el brillo de los colores que reemplaza la luz natural.
“El Joven David” (1450, témpera sobre piel sobre madera, National Gallery of Art, Washington). La forma inusual de este trabajo se explica por su uso original como escudo de armas. La escena representada es extremadamente rara, ya que la mayoría de los escudos para desfile estaban decoradas con los escudos de armas de la familia. Este es, de hecho, el único escudo pintado por un maestro reconocido que ha llegado hasta nuestros días. Puede que se hiciera para ser llevado en procesiones cívicas o religiosas, o como un signo de autoridad para un ciudadano importante.
La imagen de joven David, que venció obstáculos aparentemente insuperables como matar al gigante Goliat, era popular en la Florencia del siglo XV, la potencia más pequeña de Italia. La ciudad se vio amenazada por Goliats como el papa, el duque de Milán, el rey de Nápoles y el dux de Venecia. La imagen de David es especialmente adecuada para la decoración de un escudo, ya que en los Salmos la poesía de David se hace eco de la idea de Dios como su escudo: "Su verdad será tu escudo" (Sal 91,4).
Como muchos artistas del Renacimiento temprano, Castagno ha presentado la acción y su resultado al mismo tiempo: David tiene la honda cargada, pero la cabeza de Goliat yace a sus pies. Postura enérgica de David, basada quizás en una estatua antigua, su cuerpo está bien modelado, redondeado con la luz y la sombra para reflejar de forma convincente un cuerpo en acción.
Villa Carducci, Legnaia (1450, frescos originales y reconstrucciones, Soffiano, Florencia; algunos pasados a tabla que se encuentran en la Galleria degli Uffizi, Florencia)
Andrea del Castagno recibió el encargo de realizar el conjunto de personajes famosos en la Villa Carducci en junio 1449, cuando Filippo Carducci, el propietario de la villa y muy probablemente la persona que encargó los frescos, murió. Los frescos fueron terminados antes de que la casa fuera vendida en octubre de 1451.
El conjunto de Legnaia consta de nueve representaciones: tres comandantes militares florentinos, tres mujeres y tres poetas famosos de la Toscana, colocados en el interior nichos pintados que simulan hornacinas de mármol separadas por pilastras, hoy en día se encuentran restauradas. En una de las paredes cortas de la sala pintó las figuras de Adán y Eva, que se mantienen en su ubicación original y sin restaurar, la de Adán ha desaparecido prácticamente.
Entre las figuras de Adán y Eva, hay una luneta sobre una puerta en la que pintó una Virgen con el Niño bajo un dosel apoyado sobre ángeles que fue descubierta varios años después que el resto de la decoración.
La cubierta de la sala de los frescos tiene un entablamento complejo y un friso decorado con unos putti sosteniendo guirnaldas que simula sostener también la cubierta. La elaborada decoración arquitectónica del techo y las paredes hace destacar aún más la monumentalidad de las figuras.
En estas figuras fuertes y monumentales, claramente basadas en los modelos proporcionados por Masaccio y Donatello, Andrea del Castagno nos da una exaltación de la humanidad vista como poseedora de la fuerza física, las virtudes morales y una aguda inteligencia: las cualidades del hombre del Renacimiento. El autor, con esta serie de la representaciones, se convierte en el portavoz de los principios fundamentales del humanismo.
La anchura de la galería es de aproximadamente 15,5 m. Las figuras de que izquierda a derecha son: Eva, la Virgen con el Niño sobre la puerta que se ha perdido en gran parte, Adan del que quedan pocos restos, Pippo Spano, Farinata degli Uberti, Niccolò Acciaioli, la Sibila de Cumas, la reina Ester, la reina Tomyris, Dante y Petrarca. La tercera figura literaria florentina en el ciclo, Boccaccio, que estaba junto a Petrarca, no se muestra en esta reconstrucción. Las nueve figuras de la pared larga se han separado del muro y están expuestas en la Galería degli Uffizi, mientras que los frescos que representan a Adán y Eva y la Virgen con el Niño en la pared final de la logia permanecen en mal estado en la villa. Lo que vemos es, pues, una reconstrucción.
La mayoría de los frescos fueron arrancados del muro y colocados sobre tabla:
“Pippo Spano” (1450, fresco sobre tabla, Galleria degli Uffizi, Florencia). Se trata de uno de los tres comandantes militares florentinos representados en el conjunto. Es una de las representaciones más exitosas, era un famoso condottiero florentino que murió en Hungría en 1426, y que era visto como el héroe ideal. El dibujo magistral y la descripción perceptiva del personaje que se muestra en una pose natural, confirman la opinión que Vasari expresó de la obra de Andrea del Castagno: “Tenía un enorme talento para retratar figuras en poses solemnes e impresionantes, tanto de hombres como de mujeres, con feroces expresiones conseguidas gracias a su excelente dibujo".
“La Reina Ester” (1450, fresco sobre tabla, Galleria degli Uffizi, Florencia). La imagen muestra una de las tres mujeres famosas representadas en el conjunto. Esther, era la bella esposa judía del rey persa Asuero (Jerjes I), que junto a su primo Mardoqueo persuadió al rey para retraer una orden de aniquilación general de Judios en todo el imperio. La masacre había sido trazada por el ministro del rey, Amán, y la fecha de la aniquilación se había decidido al azar (ese día se convirtió en la fiesta de Purim). Al final, Hamán fue colgado en la horca que él construyó para Mardoqueo; y en el día previsto para su aniquilación, los Judios destruyeron a sus enemigos.
“La Sibila Cumana” (1450, fresco sobre tabla, Galleria degli Uffizi, Florencia). Envuelta en una gran capa roja con reflejos metálicos en los pliegues, representa los mismos ideales heroicos que el resto. La gravedad de su rostro, que es a la vez hermoso y digno, junto con su mano derecha levantada, simbolizan de la gravedad de sus profecías. Una famosa colección de profecías, los libros sibilinos, fue ofrecido en venta, según la tradición, a Tarquino el Soberbio, el último de los siete reyes de Roma, por la Sibila de Cumas. Él se negó a pagar su precio, por lo que la sibila quemó seis de los libros antes de venderle los tres restantes en el precio que ella había pedido originalmente por los nueve. Los libros se mantuvieron después en el templo de Júpiter en el Capitolio, y eran consultados sólo en casos de emergencia.
“La Reina Tomyris” (1450, fresco sobre tabla, Galleria degli Uffizi, Florencia). Tomyris era la reina de los pueblos nómadas de Asia central en los tiempos antiguos. Según Herodoto (1:214), Ciro el Grande, fundador del imperio persa, encontró la muerte en una batalla contra ella. Debido a las circunstancias, el episodio llegó a ser considerado como acto simbólico de justicia, y las pinturas de Tomyris se solían colgar en los tribunales de justicia. Por otra parte, la tipología medieval hizo Tomyris una prefiguración de la Virgen triunfal sobre Satanás.
“Dante Allighieri” (1450, fresco sobre tabla, Galleria degli Uffizi, Florencia). Se trata del primero de los tres poetas de la Toscana representados en el conjunto. Dante Alighieri (1265-1321) es el poeta más grande de Italia y una de las figuras más destacadas de la literatura occidental europea. Es conocido por su poema épico monumental, La Commedia, más tarde llamado La Divina Commedia (La Divina Comedia).
“Giovanni Boccaccio” (1450, fresco sobre tabla, Galleria degli Uffizi, Florencia). Giovanni Boccaccio (1313-1375), fue un poeta y erudito, recordado como el autor de los cuentos recogidos en el Decameron. Junto con Petrarca sentó las bases para el humanismo del Renacimiento y elevó la literatura renacentista al nivel de los clásicos de la antigüedad.
“Retrato de un Caballero” (1450-55, temple sobre madera, National Gallery of Art, Washington). Castagno mostró un interés casi obsesivo por el naturalismo en sus retratos; este retrato hoy se puede atribuir con seguridad a él. El joven, retratado en tres cuartos, aunque no en el perfil completo como era la costumbre, es una figura típica de Castagno, con el fuerte diseño escultórico que le hará inconfundible.
Este cuadro es uno de los hitos del retrato italiano: es el más temprano pintado en vista de tres cuartos, con la figura, espléndidamente vestida, superpuesta al cielo, agarra con la mano derecha el extremo del manto que le cae desde el hombro.
“La Trinidad, san Jerónimo y dos santos” (1453, fresco, Capilla Corboli, Iglesia de la Santissima Annunziata, Florencia). En la iglesia de la Santissima Annunziata, pintó dos frescos (San Julián y el Redentor; La Santísima Trinidad, San Jerónimo y Dos Santos) que son típicos de su estilo tardío. Andrea del Castagno ya no estaba interesado en las características heroicas y monumentales ilustradas en el conjunto de Legnaia, y aquí impregna sus figuras de un gran realismo que dominó gradualmente a lo largo de una vida de duro trabajo.
Un estado de ánimo profundamente realista domina la figura de san Jerónimo en el fresco en la Capilla Corboli en la Santissima Annunziata. El santo es representado como un asceta renacentista convencido, que posee humanidad y misticismo. En esta pintura nos llaman la atención de inmediato un par de detalles que son tan realistas que son casi demasiado crudos: el cuerpo del viejo santo y la sangre saliendo a borbotones de las muchas heridas del cuerpo de Cristo que flota crucificado sobre los santos. "Un crucifijo en escorzo, tan bien ejecutado que Andrea del Castagno merece un gran elogio. Pintó escorzos de una manera magistral y más moderna que cualquier otro artista anterior a él" (Vasari).
“San Julián y el Redentor” (1453, fresco, Capilla Corboli, Iglesia de la Santissima Annunziata, Florencia). En esta obra la figura del santo ya no es el caballero sofisticado que vimos en la Madonna de Berlín: es simplemente un hombre joven que está sinceramente arrepentido por el daño que ha causado. Por encima de su cabello, con reflejos dorados, el halo metálico refleja de manera realista la cabeza del santo. Por encima de Julian, en parte oculto por unas nubes rosadas, Cristo imparte su bendición. A cada lado del santo, en medio de un hermoso paisaje de la Toscana, Andrea ha ilustrado algunos episodios de su vida. De acuerdo a la leyenda, Julián fue un caballero que, al volver de cacería, descubrió durmiendo en su alcoba a dos personas. Suponiendo que se trataba de un adulterio, mató a la pareja. Al salir, encontró a su esposa quien le dijo que sus papás habían venido a visitarlo. Sintiéndose un parricida, huyó con su esposa para expiar y llorar su falta.
En el verano de 1455, realizó otro fresco en la iglesia de la Santissima Annunziata: una representación de Lázaro junto a Marta y María Magdalena, lamentablemente destruido. Este fresco se caracterizó por el mismo realismo elevado, visible en las otras pinturas en la iglesia, y que hemos encontrado también en otra obra que data de este mismo período, la Crucifixión, pintada para el convento de Santa Maria degli Angeli, hoy en Santa Apolonia.
“Crucifixión” (1455, fresco, Iglesia de Santa Apollonia, Florencia). Pintada para el convento de Santa Maria degli Angeli, hoy se encuentra en la Iglesia de Santa Apolonia. La composición es básicamente idéntica a la primera crucifixión que había pintado varios años antes de este mismo convento, pero en este trabajo pone mayor énfasis en los detalles realistas. La figura de Cristo, por ejemplo, ya no es el mismo hombre digno que estaba en el primer fresco: aquí se le muestra con las características duras, casi más como un campesino sufriendo.
“Monumento a Niccolò da Tolentino” (1456, fresco, Catedral de Florencia). Para realizar esta pintura Castagno tuvo que volver a los modelos monumentales y heroicos que había utilizado en el conjunto de Legnaia. Su representación de los músculos tensos del caballo y la cara surcada del general son naturalistas y muy agudas rompiendo la rigidez del modelo. Una comparación del Tolentino de Andrea del castagno con el Sir John Hawkwood de Paolo Uccello, pintado en la misma catedral varios años antes (1436), es inevitable. Mientras Uccello congeló el movimiento caballo y su jinete en una composición estática de rígida precisión geométrica, Andrea expresa a través de la tensión y el movimiento en este fresco todas las inquietudes y la vitalidad de su espíritu.
El Monumento a Niccolò da Tolentino en la catedral de Florencia es el último trabajo de Castagno que nos ha llegado; en 1457 realizó los frescos de una última cena para el convento de Santa Maria degli Angeli, pero esta obra no ha llegado hasta nosotros.
