ARQUITECTURA GÓTICA ITALIANA: EL TRECCENTO

La Arquitectura Gótica en Italia se manifiesta tanto en la arquitectura civil como en la religiosa: Catedrales, Iglesias, palacios y Signorias. Se trata de un estilo diferente al del resto de Europa por la influencia del clasicismo, por ello muchos autores consideran al Treccento como inicio del Renacimiento.

Se utiliza el arco de medio punto o el arco ligeramente apuntado en el caso de las zonas con influencia francesa. La aparición del arbotante es excepción, ya que los edificios góticos italianos prefieren los contrafuertes robustos y grandes pilares para sustentar las bóvedas. Por ello las ventanas son pequeñas y muchas veces de forma circular.

Las fachadas son originales, muchas veces recubiertas con mármol de color en continuidad con el Románico Italiano y siguen utilizando las bandas lombardas. La policromía se extiende también en el interior de los edificios. Uno de los elementos más característicos de la arquitectura italiana será el gablete que decora las puertas de las fachadas, que es menos apuntado que en otros lugares de Europa al cobijar arcos de medio punto. La terminación de las fachadas suele ser a dos aguas o dos vertientes enmarcando un rosetón de cristalera sencilla.

El conjunto marca la horizontalidad con la superposición de cuerpos, ésta solo se rompe con la aparición de los campaniles que son muy altos.

ARQUITECTURA RELIGIOSA

Las iglesias y catedrales suelen tener planta basilical de 3 a 5 naves aunque también hay casos de planta de cruz latina, con transepto que puede o no sobresalir en planta. Utilizan la bóveda de terceletes de forma generalizada pero lo más común es la cubierta plana de madera con o sin casetones. Las cabeceras suelen tener girola muy abiertas a la capilla central y en la que se abren capillas absidiales en número impar.

"La Catedral de Milán" (s. XIV-XV), realizada por Nicolás de Bonaventure siguiendo modelos franceses y alemanes, es gótico tardío. Es el cuarto edificio cristiano más grande tras San Pablo de Londres, La Catedral de Sevilla y San Pedro del Vaticano.

Planta basilical de 5 naves con transepto.




Cubierta de bóveda de terceletes. Usa arcos ojivales.



Sobrecarga el número de pináculos y arbotantes al estilo alemán.

"La Catedral de Orvieto" (s. XIV). Realizada entre otros por Lorenzo Maitani, de origen sienés por lo que sigue los modelos de la Catedral de Siena.

Planta basilical de tres naves que se sustentan sobre pilares circulares.

La cubierta es de madera.

La fachada principal sigue los modelos de fachada-telón o pantalla que ya vimos en la arquitectura románica italiana. Se decora con relieves y mosaicos del Antiguo y Nuevo Testamento.

Marca mucho la horizontalidad al utilizar dos colores de piedra que alternan en los muros.

En su interior se encuentran entre otras las pinturas apocalípticas de Luca Signorelli (s. XV-XVI).

El gótico florentino lo analizamos al estudiar a Arnolfo di Cambio ("Santa María de las Flores", "Santa Croce" y "Signoría de Florencia").

"Catedral de Siena" (s. XIII). Principalmente románica fue terminada en estilo gótico por Giovanni Pisano, uno de los grandes arquitectos-escultores góticos italianos. Revestida de mármol blanco y verdoso colores de la ciudad, marca la horizontalidad al igual que Orvieto.

Planta de Cruz latina, separa las tres naves mediante arcos de medio punto.

Se cubre con bóvedas de terceletes.

El exterior marca la horizontalidad solo rota por la alta torre cuadrangular, la fachada principal aparece llena de colorido alternando decoración escultórica y pictórica.

ARQUITECTURA CIVIL

Destaca la realización de Palacios y Signorías (Ayuntamientos), que en muchas ocasiones parecen auténticas fortalezas-residenciales, ya que en la Italia del siglo XIII y XIV se multiplican los enfrentamientos civiles especialmente entre familias nobles que se prolongarán en el siglo XV.

Destaca por la realización de una torre en las construcciones civiles que en la Toscana con su base cuadrada será un precedente del estilo renacentista, en el resto de Italia serán de base rectangular, especialmente en Venecia.

Las fachadas de los palacios se llenan de ventanas organizadas por cuerpos horizontales, a mayor altura mayor número de ventanas.

"Palazzo Pubblico de Siena", (1297-1344) que sigue las características de las signorias de la Toscana, abriendo paso a los palacios renacentistas. Destinado a albergar al gobierno de la ciudad.

"Palacio del Dux" (1339-1343, Venecia) que destaca por su rica decoración y la originalidad de sus ventanas. Realizado a la forma tradicional italiana con superposición de cuerpos horiontales que diversifican los tipos de ventanales que en este caso disminuyen en número con la altura, remata la fachada con decoración de pináculos góticos.

ARQUITECTURA Y ESCULTURA GÓTICA ITALIANA DEL DUOCCENTO: ARNOLFO DI CAMBIO

ARNOLFO DI CAMBIO (1245-1310), escultor y arquitecto que se formó en el taller de Nicola Pisano con el que trabaja en la Iglesia de Santo Domingo de Bolonia y en la Catedral de Siena. En 1277 se traslada a Roma bajo el mecenazgo de Carlos de Anjou, para el que realiza en primer retrato (Museo Capitolino, Roma) que se realiza desde el mundo antiguo. Podéis verlo en:

http://sullanus.blogspot.com/2010/02/resena-de-las-visperas-sicilianas-de.html

Como arquitecto se le atribuyen los principales edificios góticos de Florencia, y si la atribución es correcta, como parece, nos encontramos ante uno de los mayores artistas de la Historia del Arte.

Su estilo proviene de la influencia de los Pisano, pero aporta novedades por el contacto con el arte clásico greco-romano en sus visitas a Roma. Será el gran iniciador de la tradición escultórica renacentista, influyendo en los grandes escultores del Cuatroccento.

Una de sus grandes aportaciones es la realización de grandes mausoleos de mármol, que es su material predilecto. Su estilo marcará tendencia y llegará hasta el Barroco.

Como novedad vuelve a trabajar el bronce, que se había abandonado desde el Arte Romano.

“Tumba de Santo Domingo” (1264-67, Iglesia de Santo Domingo, Bolonia) Mármol. Realizado como colaborador de Nicola Pisano, probablemente los relieves del lateral y de la parte posterior del sarcófago son de Arnolfo di Cambio.

"Tumba del Cardenal Annibaldi della Molara" (1276, Claustro de San Juan de Letrán, Roma), Mármol. Hoy desmembrado, los restos muestran una procesión de duelo, se atribuye a di Cambio por razones estilísticas. Se muestra como maestro en el conocimiento del relieve ático que luego heredarán los grandes escultores en mármol renacentistas. Las figuras aparecen en perfil, con un suave tratamiento de los ropajes y sin individualización en los rostros, aunque el volumen y el movimiento ya tienen importancia.



La imagen del Cardenal aparece recostada en el lecho y dormido, con los brazos cruzados sobre su vientre. Viste el traje cardenalicio y es interesante el estudio de las manos, no así el del cabello y el rostro que están aún poco evolucionados.


Fuente en Perugia: Mujer Sedienta (Galleria Nazionale dell'Umbria, Perugia 1281), estas figuras pertenecían a una fuente realizada en Perugia y que fue destruida en 1308. Nos han llegado varias figuras de mujeres pobres y sedientas que acuden a la fuente a saciar su sed.

"Tumba del Cardenal Braye" (1282, Iglesia de Santo Domingo, Orvieto) Mármol. Di Cambio comienza su carrera independiente de los Pisano con ésta gran obra que marcará el estilo de los grandes mausoleos renacentistas. Se trata de un conjunto escultórico que enmarca el sepulcro y se encuentra adosado al muro. Ya tiene mucho de la influencia clásica adquirida en Roma, que se añade al estilo marcado por Nicola Pisano. La tumba fue mutilada y en opinión de muchos expertos mal reconstruida. Coronando el conjunto se encuentra la figura de la Virgen y el Niño, a cuyos pies, a la izquierda del espectador, se sitúa la figura del Cardenal de rodillas presentado a la Virgen probablemente por San Marcos, su santo patrono. En la hornacina derecha aparece la imagen de otro santo que parece ser Santo Domingo. La manera de representar al difunto sigue la tradición francesa ya que aparece con vida.

Bajo éstas representaciones se encuentra el sepulcro enmarcado en dos cortinas laterales que se abren por dos acólitos dejando al descubierto la figura del Cardenal yacente. No se trata de un sarcófago clásico reutilizado, como era costumbre en la época. Se eleva esta representación del difunto sobre otro cuerpo decorado con columnas sogueadas que a su vez reposa sobre una base decorada con casetones clásicos (llamados Cosmati por la familia de artistas que introdujo éste tipo de trabajo) realizados a base de mosaicos polícromos.

Los acólitos que abren la cortina se encuentran como volando, y dan un dinamismo al conjunto muy característico y particular de éste escultor.

"El Sueño de José" (Catedral de Orvieto), Mármol. No se conoce su datación, pero lo incluimos aquí por ser un trabajo realizado en Orvieto.

“Baldaquino de San Pablo Extramuros” (1283, Roma) Mármol. La influencia del estilo romano se hace notorio en di Cambio, sobre todo por la realización de los Cosmati y la antigüedad clásica. Esto es lo que podemos observar en la realización de los dos grandes baldaquinos que realiza en Roma y de los que hablaremos ahora. Éste de San Pablo Extramuros lo realizó en colaboración con un tal Pietro, para muchos se trata de Pietro di Oderisio, que en ésta época trabajaba en Roma.

Lo que encontramos en éste baldaquino es la perfecta fusión de los estilos romanos y los provenientes de la tradición Gótica del norte de Italia.

“Baldaquino de la Iglesia de Santa Cecilia en el Trastévere” (1293, Roma) Mármol. Se encuentra en perfecto estado de conservación. Su autoría no crea dudas gracias a una inscripción encontrada recientemente. Lo que parece quedar claro es que Arnolfo di Cambio ya se había convertido para entonces en el referente artístico de la época.

Sigue los modelos ya usados en el Baldaquino de San Pablo Extramuros, pero refuerza las formas góticas a las que aplica profusamente decoraciones clásicas todo dentro de un maravilloso equilibrio. Eleva mucho la altura del baldaquino gracias a la utilización de columnas muy altas y estilizadas que se apoyan sobre unas molduras cúbicas decoradas con mosaicos cosmatescos. Las figuras son prácticamente de bulto redondo, independientes de la construcción arquitectónica del baldaquino, y entre ellas destaca la figura de San Tiburcio a caballo.

“Tumba del Papa Bonifacio VIII” (1294-1296, Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano), Mármol. Nos ha llegado fragmentado, ya que el conjunto era más monumental y se encontraba situado en otro lugar siendo destruido en 1605, esto hace complicada su reconstrucción a pesar de que nos han llegado documentos que pueden facilitarla. Se encuentra también enmarcada por dos ángeles que abren las cortinas que enmarcan el sepulcro. El papa se encuentra vestido con los ropajes papales y lleva el escudo de armas de la familia Caetani a la que pertenece. Todo el conjunto está cuajado de decoración de mosaico cosmatesco.

Gracias a los documentos encontrados podemos saber que el conjunto se encontraría en una pequeña capilla, en cuyo centro habría un altar dedicado al papa Bonifacio IV (608-615) y todo ello rodeado de una valla de hierro siguiendo los modelos de las basílicas Paleocristianas. La autoría del conjunto se atribuye a di Cambio gracias dichos documentos, según los cuales los mosaicos fueron realizados por Jacopo Torriti. El rostro del pontífice se tomó estando éste todavía en vida, lo que se convertirá en tradición a partir de éste momento.

“La Dormición de la Virgen” (1296-1303, Staatliche Museen, Berlín) Mármol. A partir de 1296 Arnolfo di Cambio comienza a viajar a Florencia donde ha iniciado los trabajos de construcción de la Catedral de Santa María de las Flores, cuyos planos realiza así como parte de la decoración escultórica de la fachada que hoy se encuentra en diferentes lugares. Entre los conjuntos planeados para esta fachada se encuentran unos sobre la Vida de la Virgen, la Infancia de Cristo, Profetas y Santos, e imágenes de los papas todo ello rodeando la imagen de la Madonna con el Niño. Estas representaciones se iban a situar en nichos de la parte baja del muro de la fachada. Aquí podemos ver una de las primeras esculturas que realizó para el conjunto de representaciones de la Vida de la Virgen, en este caso el episodio de la Dormición o muerte de María.

“Estatua de San Pedro” (1300, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano) Bronce. Es uno de los escasísimos ejemplos en bronce que nos han llegado de época medieval. Su realización es plenamente gótica: frontalidad, hieratismo, inexpresividad, leve tratamiento del ropaje,... pero ya empieza a entroncar con formas clásicas en el tratamiento del volumen y la herencia del clasicismo greco-romano. Ya encontramos un ligero tratamiento del cabello, con rizos detallados en el pelo y la barba. La figura en conjunto es un modelo de gravedad y solemnidad, porta las llaves, las sandalias y aparece bendiciendo, de manera que subraya el carácter de columna de la Iglesia. Originalmente se situó en el exterior de la Basílica en el llamado ábside de San Martín, pero en 1603 se trasladó a su interior.

“Santa Reparata” (1310, Museo de la Opera del Duomo, Florencia) Mármol. Formaba parte del conjunto sobre la Infancia de Cristo que decoraba la fachada de Santa María de las Flores. Se trata de la Santa a la que estaba dedicada la antigua Iglesia sobre la que se construyó la Catedral.

“Madonna” (1310, Museo de la Opera del Duomo, Florencia) Mármol. Formaba parte del conjunto sobre el nacimiento de Cristo de la Fachada de la Catedral.

“Madonna con el Niño” (1310, Museo de la Opera del Duomo, Florencia) Mármol. Se trata de la figura central de la Fachada de la Catedral. Di Cambio se muestra aquí como claro precedente del clasicismo por el estudio del volumen, el clasicismo en las formas y la expresividad, se trata ya de un escultor maduro y evolucionado.

“La Natividad” (Santa María la Mayor, Roma) Mármol. Durante el pontificado de Teodoro I (642-649) se enviaron a Roma las reliquias de lo que se dice era el pesebre, que se encuentran en la Basílica de Santa María la Mayor. El papa Nicolás IV desarrolló entre 1288 y 1292 la idea de realizar un conjunto escultórico de la Natividad para arropar las reliquias.

Hoy día solo nos han llegado del conjunto realizado por Arnolfo di Cambio una serie de figuras que formaban parte del conjunto, las principales la Virgen y el Niño se perdieron siendo sustituidas por unas realizadas por Pier Paolo Olivieri en el siglo XVI, el conjunto arquitectónico también se perdió.

"Cabeza de Joven" (Museo de la Opera del Duomo, Pisa) Catedral de Pisa. Se trata de una de las figuras que decoraban el baptisterio y que se atribuye a Di Cambio.

Como Arquitecto se le atribuye el diseño los planos para la construcción de:

“Catedral de Santa María de las Flores” (1296, Florencia), que sería culminada por Fillipo Brunelleschi. La planeó para convertirse en el templo más grande de la cristiandad, pero su diseño fue alterado posteriormente así como reducido su tamaño. Se trataba de una gran Basílica de tres naves separadas por arcos apuntados, la central coincidía con el tamaño de la Iglesia de Santa Reparata, sobre la que se construyó.

La cabecera estaría cubierta por una gran cúpula octogonal. Tras su muerte se detuvo la construcción durante treinta años, y no se finalizaría hasta 170 años después. Giotto y Andrea Pisano retomarían la dirección de las obras siguiendo los planos de Di Cambio. La fachada fue diseñada por él, pero transformada por Giotto.

“Iglesia de la Santa Cruz” (Santa Croce, 1294, Florencia), Basílica franciscana para la que diseñó los planos, se construyó sobre los restos de una pequeña iglesia construida poco después de la muerte de San Francisco. Se convirtió en el centro de encuentro de las grandes familias florentinas así como de los intelectuales y artistas, al tiempo que acogió a lo largo de los dos siguientes siglos las obras de arte de los más grandes. Acoge las sepulturas de muchos grandes de la cultura italiana, entre ellos Nicolás Maquiavelo, Galileo Galilei, Miguel Ángel Buonarrotti, Vasari y Lorenzo Ghiberti.

Planta basilical de tres naves, cubierta por madera a dos aguas. Utiliza arcos apuntados sobre pilar octogonal. La cabecera con un gran ábside octogonal que divide los laterales en diez capillas familiares (cinco a cada lado del ábside central) cuajadas de pintura.

“Palacio Vecchio” (1299, Florencia) Traducido como “Palacio Viejo”, Palacio de la Signoria o Palacio Ducal. Realizó los planos incorporando la torre Foraboschi a la fachada, aunque posteriormente tuvo que ser reconstruida ya que tenía peligro de derrumbe. La terminarán otros artistas en 1314. Marca el modelo que se seguirá en todos los palacios medievales y renacentistas, con la superposición de cuerpos que juegan con las formas de las ventanas, en el caso de éste palacio hay diversidad de ventanales en los cuerpos, no siendo simétrico, y utiliza ventanas de corte gótico enmarcadas en arco de medio punto y ventanas cuadrangulares.

La parte alta culmina en forma de almenas como en los castillos medievales, y al igual que en otras Signorias sobresale la torre cuadrangular almenada. El patio y el interior fueron realizados posteriormente.