ESCULTURA RENACENTISTA ITALIANA DEL QUATTROCENTO: DONATELLO

Donato di Niccolò di Betto Bardi, Donatello, (Florencia, 1386-Florencia, 1466). 

Escultor florentino que supuso el auténtico establecimiento del Renacimiento en Italia. Es innovador y maestro. Más joven que Ghiberti evolucionó más rápidamente que él. Su apodo le fue atribuido por sus contemporáneos que lo consideraban elegante y educado, de modales exquisitos.

Hombre sencillo nunca se casó y volcó toda su vida en el trabajo, realizando gran número de obras. No era un hombre culto tal y como era común entre los artistas florentinos de su época, aunque se preocupó en estudiar a fondo el arte clásico greco-romano que le sirve de inspiración, lo que pudo realizar con mayor profundidad en dos viajes a Roma, el primero con Brunelleschi (1402-1404 y 1431-1433). La posteridad hará de él uno de los grandes del Renacimiento, aunque en su época no fue entendido del todo por su excesiva libertad compositiva y técnica.

Admirador del clasicismo greco-romano consigue en su escultura gran naturalismo, y desarrolla la escultura monumental y el relieve, al que da una profundidad única sin utilizar el alto-relieve ni el bajo-relieve exagerados. Sus esculturas son a la vez realistas e idealizadas, llegando a un alto grado de belleza siempre ajustada a unos cánones, a una relación entre las partes y el todo.

Entre 1404 y 1407 formó parte del taller de Ghiberti donde aprendió el oficio.

Conoció a Masaccio en 1429 en Pisa, de quién recibió el interés por la perspectiva, y estudió la obra de Alberti “De Pictura”, quien le interesó por el orden en la composición.

Colabora con arquitectos como Michelozzo para realizar las hornacinas, tumbas y púlpitos.

El hombre será el centro de su interés, de él estudiará todas sus edades: niño, joven, maduro y viejo, no solamente en su anatomía, sino también en su expresión. Pasa de lo bello a lo feo sin preocuparse, pero siempre tratando de encontrar armonía y belleza.

La última etapa de su vida se preocupó por la búsqueda del expresionismo, tratando de captar la idea y las formas, sin importar si están acabadas.

El relieve será una de sus grandes aportaciones, desarrollando en stiacciato o relieve aplanado que utiliza la técnica de rebajar gradualmente hasta el fondo buscando perspectiva pero sin llegar a rebajar mucho el plano. Consigue así un efecto pictórico en su relieve.

Es el primer escultor que realiza un desnudo en bulto redondo en el siglo XV.

Generalizará el retrato de bulto redondo.

Desarrolla la estatua ecuestre a partir de los modelos romanos.

Trabaja el bronce, el mármol, la terracota y la madera con igual maestría, pero será en los dos primeros en los que destaque.

"Fachada de Santa María de las Flores" (1406-8): Donatello trabaja junto con Nanni di Banco para realizar la Puerta de la Mandorla en la fachada norte de la Catedral Florentina. Se le atribuyen dos imágenes de profetas realizadas en mármol:

“Profeta lateral izquierdo”, muy influenciado por el estilo más goticista de Ghioto.

“Profeta lateral derecho”, observamos más la influencia más renacentista de Nanni di Banco o de Luca della Robbia.

“David” (Mármol, 1409, Museo Nazionale del Bargello, Florencia, 1m 90 cm) Una de la muchas obras que realizó con este tema tan del gusto de la época. Realizada en origen para decorar la fachada de Santa María de las Flores resultó demasiado pequeña y se traslado al Palacio Vecchio, hoy está en el Bargello. Curiosamente se trata de una escultura de bulto que se convertirá en modelo de representación para los pintores de su época, siendo así una escultura muy pictórica.

Ya muestra el contraposto (curva praxiteliana) que es propio de las obras renacentistas frente a la frontalidad propia del Gótico, a pesar de ello el rostro sigue mostrando una inexpresividad propia de la época anterior.

“San Marcos” (Mármol, 1411, Ors San Michelle, Florencia). Escultura de carácter monumental realizada para el gremio de comerciantes de lino de la ciudad. La figura muestra movimiento al apoyar el peso del cuerpo sobre la pierna derecha marcando la curva praxiteliana. El tratamiento de los ropajes acompaña al estudio del movimiento y el claro-oscuro.

“San Juan Evangelista” (Mármol, 1411-1413, Museo dell’Opera del Duomo, Florencia), realizada para decorar una de las hornacinas de la fachada norte de la Catedral de Florencia. Pensada para ser observada frontalmente, su realización muestra tal perfección ya en los modelos renacentistas que servirá de inspiración al propio Miguel Ángel. Podemos contemplar un realismo nuevo en la expresión del santo, especialmente en su mirada, y en el tratamiento de las manos. La proporción no es perfecta ya que está diseñada para ser observada desde abajo, por ello su cuerpo parece exageradamente largo frente a las piernas.

“Crucificado” (Madera, 1412-1413, Santa Croce, Florencia). No hay acuerdo en la autoría ni en la datación. Brunelleschi no apreció esta obra, llegando a decir a Donatello, según Vasari, que había representado en el crucificado a un campesino. Es una muestra del interés innovador de Donatello, que estudia de forma nueva el volumen, la anatomía y la expresión.

“San Luis” (Bronce dorado, 1413, Museo dell'Opera di Santa Croce, Florencia). Realizado para la fachada de Ors San Michelle por encargo de los capitanes Güelfos, es el primer ejemplo del abandono de los restos góticos y adopción del naturalismo por parte del autor.

“San Jorge” (Mármol, 1416, Museo Nazionale del Bargello, Florence). Realizada para decorar la fachada de Ors San Michelle, por encargo del gremio de armeros de Florencia, es la obra maestra de Donatello. La figura que aparece dentro de un nicho rompe con la frontalidad al moverse hacia la derecha. Su rostro se muestra juvenil y lleno de fuerza y entusiasmo, muy al estilo del David realizado en 1409. Se convertirá en la escultura emblema del primer Renacimiento, a pesar de que el artista será ignorado hasta el siglo XIX en el que se revalorizará, solo esta obra parece ser tenida en cuenta hasta entonces por los estudiosos.

La escultura de bulto nos muestra a San Jorge antes de enfrentarse al dragón, por lo tanto refleja cierta tensión en su rostro, que tiene una clara inspiración helenística. El conjunto muestra un alto grado de idealización.

En la base de la escultura de San Jorge realiza un relieve que muestra la lucha del Santo contra el dragón, en el relieve aplanado (stiacciato) que él desarrolló. El relieve de la base destaca por la realización del caballo, que influirá entre otros en Miguel Ángel. Muestra a San Jorge e plena acción de matar al dragón mientras que la Princesa de Capadocia observa la escena. La ambientación, la profundidad con el estudio de la perspectiva lineal, y la acción destacan sobre todo frente al tímido relieve que utiliza Donatello.

“Profeta Barbado” (Mármol, 1418, Museo dell’Opera del Duomo, Florencia). Dotada de gran movimiento y fuerza, por la expresión introspectiva del profeta, el movimiento de su pie izquierdo, nos muestra ya a un Donatello en plena madurez creativa. Se conoce también como “El profeta pensativo”.

“Profeta imberbe” (Mármol, 1418, Museo dell’Opera del Duomo, Florencia). Su fuerte expresión nos deja ver a un hombre agobiado por el pensamiento y la labor a realizar.

“El Sacrificio de Isaac” (Mármol, 1418, Museo dell’Opera del Duomo, Florencia). Atribuida en parte a Nanni di Banco, muestra una escultura de grupo en la que Donatello se muestra ya como maestro en la distribución de espacios, el estudio de todos los puntos de vista y la búsqueda de la profundidad. La expresividad también es uno de los aspectos destacados de esta obra.

“Marzocco” (Piedra, 1419, Museo Nacional del Bargello, Florencia) Se trata del emblema de la ciudad de Florencia. La realizó para las habitaciones papales de Santa María Novella, que fueron utilizadas por Martín V en ese mismo año.

“Tumba del Cardenal Brancacci” (Mármol, 1427, Sant'Angelo a Nilo, Nápoles), realizado junto con Michelozzo. Mezcla formas clásicas propias del arte florentino (columnas, cariátides,...) con las tradiciones del arte napolitano (los cortinajes que aparecen abiertos por ángeles). Donatello trabajó en su taller de Pisa y luego se trasladó a Nápoles donde se realizó el montaje final.

El detalle de la tumba nos muestra un relieve que representa la Asunción de la Virgen.

“Virgen con el Niño” (Terracota policromada, 1420’, Museo Bardini, Florencia). Estas imágenes eran muy populares en época de Donatello, normalmente se realizaban como devoción particular para ser instaladas en una hornacina.

“Madonna Pazzi” (Mármol, 1420’, Staatliche Museen, Berlín). Se puede comprobar en este relieve su gusto por el estilo del relieve ático. Fue realizada para ser colocada en un lugar alto, ya que la visión perfecta va de abajo a arriba. Interesante la dulzura de las expresiones, la cercanía madre e hijo que desbordan ternura.

“El Profeta Jeremías” (Mármol, 1423-26, Museo dell’Opera del Duomo, Florencia). Donatello alcanza con esta obra y la del Profeta Habacuc la cima de la expresividad en la escultura. Ya ha sentado las bases del Renacimiento que el resto de escultores imitaría. Las esculturas se pensaron para decorar el Campanile de la Catedral, pero hoy se encuentran en el museo. Donatello empleó como modelo de esta estatua a Francesco Soderini, un amigo florentino del escultor.

“Duomo de Siena” (1426-1428), en estas fechas realiza varios trabajos para la Catedral de Siena, especialmente para el baptisterio en el que realiza un relieve en bronce con el tema del “Banquete de Herodes” utilizando su estilo de relieve clásico. La escena de la danza de Salomé recuerda a las representaciones de las Ménadas griegas.

Y dos pequeñas estatuillas de bronce que se sitúan a los lados de la pila bautismal, una representa “La fe” que regresa a las formas más primitivas de representar de Donatello, quizá por influencia de los otros relieves que decoraban la pila bautismal y que fueron realizados por Ghiberti en 1417.

y la otra “La Esperanza” representada como un ángel.

“Lápida del Obispo Giovanni Pecci” (Plata, 1426, Catedral de Siena). En este relieve Donatello vuelve a su estilo propio de realización del relieve aplanado que había abandonado en “El banquete de Herodes”.

“El Profeta Habacuc” o “El Zuccone” (Mármol, 1427-36, Museo dell’Opera del Duomo, Florencia). Pensada como compañera del Profeta Jeremías para decorar el Campanile de la Catedral. Con un rostro lleno de fuerza destaca por la fragilidad de su anatomía, que adquiere cierto volumen gracias al manto que le cubre. A pesar de la fragilidad de sus músculos que dejan ver sus huesos, la mano aprieta con fuerza el cinturón lo que resalta un gesto ligeramente violento. Zuccone es una palabra italiana cuya traducción literal es burro, y su rostro muestra una rudeza propia de este animal, con el cráneo rasurado, los labios prominentes y el mentón acusado; aunque Donatello realizó el retrato de un personaje de Florencia llamado Barduccio y al que el pueblo llamaba Zuccone, que quiere decir también calabacín, por su cráneo alargado y calvo.

“San Rossore” (Bronce, 1425-27, Museo Nazionale di San Matteo, Pisa). Para muchos se trata de un autorretrato de Donatello, realizado con gran naturalismo, se convertirá en modelo para muchos retratos renacentistas. Incrusta piedras en los ojos para dar mayor realismo.

“Virgen con el niño” (piedra arenisca, 1430, Santa Croce, Florencia).

“David” (Bronce, 1430, Museo Nazionale del Bargello, Florencia). Realizado originalmente para decorar el Palacio Medici Ricardi, pasó por varias manos hasta acabar en el Bargello. Donatello retoma la curva praxiteliana propia del arte clásico griego, y nos muestra el primer desnudo en bulto redondo desde hacía muchos siglos. Pero el artista muestra un interés nuevo por el movimiento y la luz, para lo que decora el personaje con un llamativo sombrero y botas, aunque el claro-oscuro no es centro de atención del autor en esta obra, parece más interesado por los detalles. Sitúa la escena justo después de la acción de matar a Goliat y cortar su cabeza, en ademán victorioso.

La escultura adquiere un carácter nuevo, está realizada para ser observada desde todos los puntos de vista, ya no se trata de esmerarse solo en la frontalidad, ya no está pensada para ser cobijada por una hornacina, ahora es una escultura que debe ser observada desde todos los ángulos.

El tamaño es ligeramente inferior al natural. La lánguida pose de David tiene un cierto toque sensual. El rostro de David es el de un niño, pero el cuerpo es el de un adolescente.

“Madonna de las Nubes” (Mármol, 1425-1435, Museum of Fine Arts, Boston). Muestra la técnica de relieve aplanado (stiacciato ) que él inventó.

“Sacristía Vieja de la Basílica de San Lorenzo” (Bronce y estuco policromado, 1428-1443, Basílica de San Lorenzo, Florencia). Decora con escultura la Sacristía realizada por Brunelleschi. Realiza dos relieves enmarcados por sendos arcos que se sitúan sobre las puertas de acceso, cada relieve muestra una pareja de santos “San Cosme y San Damián” y “San Esteban y San Lorenzo” que aparecen departiendo. Realizó también ocho medallones, cuatro para los evangelistas y otros cuatro para representar otros tantos episodios de la vida de San Juan Evangelista (San Juan en Patmos, la resurrección de Drusiana, la muerte y ascensión de San Juan). Realizó por último dos puertas de bronce divididas en diez paneles cada una con escenas de apóstoles y mártires. El conjunto no fue apreciado por Brunellechi ni por sus contemporáneos, que no entendían la modernidad de Donatello.

Las puertas de bronce muestran a 40 apóstoles y doctores de la Iglesia departiendo animadamente. Realizados con el relieve aplanado (stiacciato) propio de él.

Los relieves no tienen ambientación pero el artista consigue una profundidad única. Supone un avance único en la concepción del relieve que inspirará a los impresionistas del siglo XIX.

Los arcos sobre las puertas están realizados en terracota policromada, probablemente sean los primeros trabajos realizados por Donatello para esta Sacristía. Representan a “San Cosme y San Damián”

y a “San Esteban y San Lorenzo”. Los santos aparecen departiendo de forma cercana y seria.

Las figuras de los evangelistas que aparecen en los medallones están realizadas en tres cuartos, sentados escribiendo. Al igual que los arcos están realizados en terracota. Las figuras no están estáticas, sino que hay movimiento, y en algunas de ellas sitúa escorzos para estudiar la profundidad.

"San Mateo"

"San Marcos"

"San Lucas"

"San Juan"

Los medallones que narran escenas de la vida de san Juan Evangelista están realizados también en terracota, en un relieve casi pictórico, en el que estudia la profundidad, las luces y las sombras.

"Martirio de San Juan"

"San Juan en Patmos"

"Resurrección de Drusila"

"Ascensión de San Juan"

“Busto de Niccolo da Uzzano” (Terracota policromada, 1430’, Museo Nazionale del Bargello, Florencia). Nos muestra la maestría de Donatello en la realización de retratos, en este caso de uno de los rivales de la familia Medici fallecido en 1433, hombre reconocido y noble, que aparece representado al estilo de los retratos republicanos romanos.

“Dios Atis niño” (Bronce, 1430’, Museo Nazionale del Bargello, Florencia). Identificado por Vasari con Mercurio, fue realizado para la familia de Giovanbattista d'Agnol Doni. Generalmente se identifica con el dios Atis, amante de Cibeles. Originalmente estaba dorada.

“Candelabros en forma de ángel” (Bronce, 1430’, Musée Jacquemart-André, París). Su autoría se disputa entre Donatello y Luca della Robbia. Pudieron formar parte de las cantorías.

“Cantoría” (Mármol, 1432-39, Museo dell’Opera del Duomo, Florencia). Encargado para decorar la parte superior de la entrada a la sacristía sur de Santa María de las Flores o la Catedral de Florencia, haciendo pareja con la encargada un año antes a Luca della Robbia para la Sacristía norte. Ambas resultaron muy pequeñas para dar cabida a todos los cantores, de modo que fueron sustituidas por balconadas de madera, más tarde se las repuso en su lugar, aunque ahora se encuentran en el Museo.

El conjunto de mármol descansa sobre ménsulas y se decora con relieves y mosaicos de carácter vegetal con palmetas, veneras, conchas y otros motivos clásicos. Utiliza el bajo-medio y alto relieve.

Las figuras de niños destacan por su movimiento, parecen figuras inacabadas lo cual no era importante ya que están pensadas para ser observadas desde abajo.

Cinco pares de columnas anteceden a un relieve corrido sin cortarlo, relieve que muestra ángeles niños bailando y jugando en un movimiento casi orgiástico y relacionados entre si, se trata de un símbolo de lo infinito que no puede ser atrapado. Cada par de columnas se apoyan en una ménsula que sostienen la base de la cantoría. Entre las dos ménsulas de las esquilas hay decoración de putti, mientras que los dos espacios centrales aparecen decoradas con dos cabezas de bronce.

“Sagrario” (Mármol, 1432-33, Basílica de San Pedro, Roma). Enmarca una obra atribuida a Lippo Memmi. En la parte superior realiza una representación del Descendimiento en relieve ático. Es evidente que Donatello se empapó de clasicismo en su visita a Roma. El sagrario se encuentra ahora en la sacristía de la Capilla de la Tesorería de San Pedro.

“Tumba de Giovanni Crivelli” (Mármol, 1432-33, Santa Maria in Aracoeli, Roma). Crivelli era archidiácono de Aquileia. Realizado para situar sobre el suelo, la figura aparece enmarcada en un nicho con bóveda en forma de concha. El estilo en el que realiza la obra es el tradicional heredado del Gótico.

“David de Casa Marteli" (Mármol, 1434-35, National Gallery of Art, Washington). El estilo de Donatello se ha hecho más clásico tras su segunda visita a Roma entre 1432-33, y esto se ve reflejado en su tercer David, con rasgos muy clásicos aparece inacabado.

“Tumba del anti-papa Juan XXIII” (Mármol y bronce, 1435, Baptisterio de Florencia). Realizada junto con Michelozzo. De el conjunto, sólo la escultura de bronce del anti-papa es obra de Donatello, el resto es de su colaborador.

Ya encontramos un más profundo estudio de los pliegues y del rostro.

“La Anunciación” (Piedra dorada, 1435, Santa Croce, Florencia). Muestra la escena en que María parece turbada ante la aparición del ángel pero las figuras aparecen conectadas gracias a la mirada del ángel lo que convierte el conjunto en una composición cerrada. El movimiento está claramente reflejado con la figura de María que parece alejarse con gesto humilde ante la aparición celestial. La iconografía muestra la tradición del siglo XIV, pero las formas son clásicas tanto en los cuerpos como en los rostros y se ajustan al cánon. Marca la anatomía en los ropajes que caen suavemente marcando los pliegues hasta el suelo, las telas aparecen decoradas con gran detallismo.

“Púlpito de la Catedral de Prato” (Mármol, 1437, Museo dell’Opera del Duomo, Prato). Se trata de un púlpito exterior. Lo realizó junto con Pagno di Lapo y Michelozzo.

Donatello se encargó de la estructura y de la decoración de ángeles cantores muy al estilo de los que hizo en la Cantoría de la Catedral de Florencia.

“San Juan Bautista” (madera policromada, 1438, Santa Maria Gloriosa dei Frari, Venecia). Se encuentra en la capilla de San Juan Bautista de esta iglesia. Restaurada en 1973, mostró todo el esplendor de la técnica de Donatello. Muestra al santo con gesto enérgico a pesar de su debilidad física fruto de la penitencia. Enriquece su atuendo con un manto que despliega sobre sus hombros, mientras que su túnica está hecha de pelo de camello.

“Banquete de Herodes” (Mármol, 1439, Musée des Beaux-Arts, Lille, Francia). Se refleja en esta obra las influencias de Masaccio y Alberti. La escena muestra a Salomé en plena danza frente a Herodes dentro de un marco arquitectónico.

Entre 1447 y 1450, Donatello trabaja, ya anciano, en Padua, donde realiza varias obras para la Basílica de San Antonio y para la Plaza del Santo.

“Conjunto escultórico del Altar Mayor de la Basílica de San Antonio” (Padua, 1447-1450), que comprende veintinueve obras siete en bulto redondo (Una Madonna entronizada con el Niño flanqueada por San Francisco, San Antonio, San Daniel, Santa Justina, San Luis y San Prosdocimo), cuatro bajorrelieves con los Milagros de San Antonio, cuatro bajorrelieves de los evangelistas, doce bajorrelieves de ángeles cantores, un bajorrelieve con Cristo Muerto y un relieve en piedra del Santo Entierro. Se completa con el Crucifijo de bronce en bulto redondo que corona el altar. La reconstrucción tal y como la vemos puede no ser la original, ya que el altar fue desmontado y el crucifijo probablemente no se situara donde hoy está.

“Crucifijo” (Bronce, 1449, Basilica di Sant'Antonio, Padua). Fue para su realización para lo que Donatello acudió a Padua en 1447, pero no terminó esta obra hasta dos años después cuando fue colocado en el altar central de la Basílica. Realiza en el cuerpo del crucificado un avanzado estudio anatómico.

“Madonna con el Niño” (Bronce, 1447-1449). Se trata de la figura central del conjunto del Altar de Padua. Se inspira para su realización en los iconos orientales.

La Virgen está representada sin llegar a sentarse del todo, aparenta incluso estar de pie. Los brazos del trono representan dos esfinges sonrientes, como si de una diosa pagana se tratara.

“El milagro del niño recién nacido” (Bronce, 1447-1450, Altar mayor de la Basílica de San Antonio, Padua), se trata de uno de los relieves que representan los milagros de San Antonio en la Basílica del Santo en Padua. El fondo sobre el que realiza el relieve es rugoso, jugando así con la luz. Al mismo tiempo enmarca las escenas en ambientes arquitectónicos majestuosos que buscan dar profundidad a las escenas. También busca la perspectiva jugando con el tamaño de las figuras, que disminuyen con la profundidad. Hace estudio anatómico ya que muchas de ellas aparecen semidesnudas. La escena representa el milagro realizado por San Antonio cuando un afamado hombre de Ferrara rechaza a su hijo recién nacido por pensar que es fruto del adulterio de su mujer, San Antonio hace que el niño de pocos días de vida confirme la paternidad de dicho hombre y lo hace con voz alta y clara.

“El Milagro del Hijo Arrepentido” (Bronce, 1447-1450, Altar mayor de la Basílica de San Antonio, Padua). Representa a un joven que confiesa al Santo haber maltratado a su madre, éste le dice que merecería perder la pierna por haber golpeado con ella a su madre. El joven, arrepentido, se cortó la pierna al llegar a su casa, avisado el santo acudió en su auxilio y volvió a injertarle la pierna con la señal de la cruz.

“Milagro de la Acémila” (Bronce, 1447-1450, Altar mayor de la Basílica de San Antonio, Padua). Representa el milagro que realizó san Antonio en Tolouse, Francia, cuando se enfrentó a un hereje que negaba la presencia real de Cristo en la Eucaristía. Retó al santo a que hiciera a su hambrienta mula acudir a adorar la Eucaristía en lugar de acudir a un montón de forraje para alimentarse. San Antonio ganó el reto.

“Milagro del hombre avaro” (Bronce, 1447-1450, Altar mayor de la Basílica de San Antonio, Padua). San Antonio increpó a un grupo de personas que iban a enterrar a un hombre rico para que no lo hicieran en tierra santa ya que aquel hombre estaba condenado por su avaricia, lo que era evidente ya que no tenía corazón. Cristo afirmó que el corazón de cada uno estaba donde estaba su riqueza. Abrieron el pecho del difunto y comprobaron que en efecto no tenía corazón, el cual apareció dentro de su caja fuerte.

“Santo Entierro” (Piedra, 1447-1450, Altar mayor de la Basílica de San Antonio, Padua). relieve que representa el entierro de Cristo.

“Cristo muerto” (Bronce, 1447-1450, Altar mayor de la Basílica de San Antonio, Padua).

“El Condottiero Gattamelata” (Bronce, 1447-1450, Plaza del Santo, Padua). Esta escultura ecuestre sobre podium decorado con motivos clásicos se encuentra frente a la fachada principal de la Basílica de San Antonio en Padua. El artista se inspiró en la estatua ecuestre de Marco Aurelio de Roma. Se convertirá en el prototipo de las esculturas ecuestres del Renacimiento que al mismo tiempo son retratos. Vasari alabó su maestría en la ejecución de las proporciones.

Se trata de un guerrero victorioso, un héroe tal y como se refleja en la literatura renacentista. Pero también destaca el trabajo realizado en el animal, el caballo va ganando conforme se le rodea, gira su cabeza ligeramente hacia la izquierda marcando mucho el cuello. El animal va marcando el paso, por lo que el artista tiene que buscar un punto de apoyo artificial para conseguir el equilibrio dado el enorme tamaño de la escultura y para que no se venciera hacia la izquierda. Inspirará a otros artistas como Il Verrochio.

El rostro del Condottiero es todo un ejemplo de análisis psicológico, enérgico, fuerte, poderoso, aunque muestra cierta rigidez.

“Judith y Holofernes” (Bronce, 1455-60, Palazzo Vecchio, Florencia). Se la encargó Cosimo de Medici para decorar una de las fuentes del Palacio Medici Ricardi, pero al final quedó en los arcos del Palacio de la Signoria de Florencia como símbolo de libertad del pueblo de Florencia. Quedó tan encantado con el resultado que es la única obra que firmó: DONATELLI OPUS. Es una de sus obras maestras por la delicadeza de formas, el análisis profundo de la espiritualidad y la psicología.

Es una de las obras más completas de Donatello, para apreciarla bien hay que observarla desde todos los puntos de vista. decoró también el pedestal con escenas de ángeles bailando. Narra visualmente la escena relatada en la Biblia (Judit 13).

“Madonna Cellini” (Bronce, 1456, Victoria and Albert Museum, Londres). Se trata de un donativo que realizó Donatello a su médico, Giovanni Chellini Samminiati, tal y como éste relató en un escrito. Muestra a la Virgen con el Niño flanqueados por ángeles esculpidos en una moneda que es visible por las dos caras.

Reverso:

“Lamentación sobre Cristo muerto” (Bronce, 1456, Victoria and Albert Museum, Londres). Su datación no es clara. Probablemente se trata de una de las placas de bronce realizadas para una puerta de la Catedral de Siena que dejó inacabada.

“Crucifixión” (Bronce, 1456, Museo Nazionale del Bargello, Florencia). Muchos afirman que puede ser obra de sus colaboradores, aunque la mano del maestro es clara. Sigue los modelos de Ghiberti, aunque con su propio estilo de relieve plano y pictórico, stiacciato. Hay preocupación por la anatomía y estiliza mucho las figuras.

“San Juan Bautista” (Bronce, 1457, Duomo de Siena). Sigue los modelos de la Judith de Florencia y de su escultura de María Magdalena, que caracterizan su última etapa.

“Santa María Magdalena” (Madera, 1457, Museo dell’Opera del Duomo, Florencia). Realizada para el Baptisterio de Florencia, sufrió mucho durante las inundaciones y tuvo que ser restaurada. Subraya el ascetismo de la figura mediante la policromía y los rasgos del rostro. Se muestra como gran conocedor de la anatomía, al igual que la mayoría de los artistas renacentistas, una anatomía desgastada por los ayunos y sacrificios. La representación se inspira en la Leyenda Áurea de Jacobo de Vorágine, en la que narra los últimos años de la vida de María Magdalena retirada en Francia haciendo penitencia. La forma de unir las manos que no llegan a tocarse, los dedos alargados y las manos suaves subrayan la espiritualidad que busca en esta obra.

“Púlpitos de San Lorenzo” (Mármol y bronce, 1465, Basílica de San Lorenzo, Florencia). Se trata de la última obra de Donatello y aparece marcada en uno de los púlpitos. Los realizó junto con sus colaboradores Bertoldo y Bellano. El conjunto es altamente expresionista, a veces dramático y cruel, y está dotado de una profunda espiritualidad.

El púlpito norte tiene escenas del infierno, la Resurrección, la Ascensión y el Martirio de San Lorenzo.

El Púlpito sur muestra escenas de la Pasión y muerte de Cristo.

Su participación en solitario es segura en la escena de Getsemaní pero por lo demás solo puede asegurarse que realizó los moldes en cera hasta que una parálisis le impidió continuar trabajando y se limitó a dirigir a sus pupilos.